Enrique Villareal "El Drogas"

Valencia

El Drogas publica “Un día nada más” (Dro/Warner, 16), un doble CD y un doble DVD que plasma el espectáculo sonoro y visual del concierto que ofreció en Pamplona el 2 de julio de 2016. Fueron cinco horas y media de actuación que muestran la vitalidad y el buen momento que vive con su banda junto con una gran variedad de invitados. Ahora aprovecha la edición de este proyecto para ofrecer una serie de conciertos tanto acústicos como eléctricos. Mientras prepara sus siguientes pasos este artista incansable y con trastornos creativos.
Aprovechando la presentación en acústico de su nueva publicación, el 10 de noviembre de 2016 en el Fnac de Valencia, tuvimos el placer de poder charlar un rato con Enrique Villarreal “El Drogas” y conocer más sobre él y sus proyectos.

LHR - Para empezar quería preguntarte algo sencillo, ¿que es lo que desayunas? (risas) y te explico, después de tantos proyectos que has realizado o en los que sigues, y no solo musicales, por citarte algunos cuantos, estás involucrado en la recuperación de la memoria histórica, el proyecto de Motxila 21, la gira de “Demasiado tonto en la corteza” que te ha llevado durante tres años por diversos escenarios, y para rematar la gira el monumental concierto que ofreciste en Pamplona “ Un día nada mas” del cual publicas ahora un doble CD y doble DVD, y de nuevo en ruta con este directo. A ver Enrique ¿que desayunas?, o mejor dicho ¿cual es tu secreto para tanta creatividad y energía?.

El Drogas - En las comidas soy un desordenado de la ostia, desayuno café, la ducha y eso me activa para arrancar. madrugo del copón y para las diez y media las once ya arranco, a no ser que tenga ensayo, entonces igual aparezco en casa a las doce y media y hasta las dos de la madrugada no me puedo dormir porque llego muy activo de los ensayos, entonces duermo unas cuatro horas y vuelta.

LHR - ¿Eso es el secreto?

El Drogas - Sobretodo dedicarse a lo que a uno le gusta, le da para mucho.

LHR - Fue un placer asistir en Pamplona, a “Un día nada mas”, un marco incomparable, la Ciudadela de Pamplona, para el concierto donde ofreciste cuatro formatos distintos desde una recepción a pie de suelo, solo con piano y guitarra, luego en otro escenario las canciones de “La tierra esta sorda” ya con la banda, y en escenario principal dos partes, con la Rhythm´n´Blues Band para luego finalizar con Los disparos del Dr. Gas. Casi seis horas de concierto, ¿como se te ocurre liar toda esta historia?.

El Drogas - No es de repente, cuando empiezo la promoción de “Demasiado tonto en la corteza” , un 28 de diciembre, bueno el día anterior, el 27, pongo el facebook presentación del disco “Demasiado tonto en la corteza” en tres sitios diferentes, la gente pensaba que ostia ¿será verdad?, es el día de los inocentes, a las diez y media estábamos tocando en frente el Instituto Salud de Pamplona, ahí hicimos la parte del Alzhéimer, era verdad que lo íbamos hacer, que íbamos a tomar la calle de nuevo como habíamos hecho otras veces, de ahí nos fuimos donde el gobierno de Navarra para hacer Matxinada, que en euskera significa revuelta, es la parte que nos metemos con todo Dios, y la última parte la hicimos en la catedral, ya con el copón de gente, fue una mañana maravillosa. Total que esa es la presentación del disco, entonces pensé: ostia es un triple pues vamos hacer tres años de gira. Como íbamos acabar eso, tomando la Ciudadela de Pamplona que es un parque municipal.
En el ayuntamiento mandaba UPN, la derechona. La íbamos a tomar la Ciudadela, como habíamos empezado la gira, que viene la policía nos vamos detrás de este árbol. En esto hay  elecciones y gana los otros,  entonces lo planteo y hacemos el espectáculo dentro de la normalidad.
Hablo con la concejala de cultura, le explico la historia, y si nos ceden el lugar de puta madre. Lo que hicieron es poner los vateres, las valla para acotar las esculturas, etc... La producción ya la iríamos haciendo. Fue tomando forma en el camino durante los tres años. Eso es lo bonito de las cosas, a mi me gusta los tropezones que tienes en el trayecto, como te vuelves a levantar, si hay que rodear un poco.
Ya ahí, a la vez que va a ser un espectáculo, digamos a la usanza normal, hay un equipo de producción que se dedica a ello, un equipo técnico, ahí entra la idea de grabarlo en directo. No sentía la necesidad que se refleje en un directo. 
Se va viendo que podría estar bien grabarlo, Warner propone como hacer, ahí estaba la gente con la que trabaje “La tierra esta sorda”, eso me empujo a firmar tres semanas antes.
Estaba dándole vueltas si era o no necesario, pues vi que se podía hacer. Tenia que ser un rollo ameno. No sacar todo por sacar todo. Sobretodo contando con Carlos Raya, que si hay un productor de su talla, pues se hace. Yo no quería aparecer nada en la mezcla de un directo, ni nada de eso, para mi es muy aburrido. Los discos de estudio me gustan porque puedes aportar cosas. Carlos Raya es el culpable de que lo que acaba de salir parezca sencillo porque refleja lo que se dio y tiene un curro detrás de la ostia.

LHR - Tampoco te aburrirías mucho con diecinueve invitados, si no recuerdo mal en la Ciudadela, con gente y con estilos tan diferentes, desde Ara Malikian o Iván Ferreiro a Gorka Urbizo, la Chula Potra o Brick Paco, ¿cómo fue trabajar con ellos?, ¿como se hace?

El Drogas - Muy bonito, hice una lista de veinticinco personas, podrían haber sido más gente, empecé a llamar y a proponerles la historia en la que estaba metido, hubo gente que me dijo que sí, otros que tenían que preguntar si les coincidía algún bolo ese día, luego me llamaron y que si, otros que justamente tenían bolo ese día y no han podido estar.

LHR - Debe de ser gratificante el poder reunir a tanta gente y que estén contigo apoyando y participando en tu proyecto.

El Drogas - Si mucho. Pero hasta los que no podían les gusto también el rollo, se sintieron agradecidos y que les hubiera gustado participar. Yo encantadísimo por el recibimiento de la llamada que ha habido, tanto los que han estado como los que no.

Y muy sencillo, tirar mucho de teléfono, mandar una canción y bueno –no, yo prefiero la otra- (risas) pues vale, no me importa que canción fueran a cantar, sino que estuviesen, que formaran parte de ese cipote enorme que se avecinaba. Y tan a gusto. Bastantes de ellos pasaron por el local de ensayo unos meses previos, donde entras en contacto con la banda, que es lo bonito de estas cosas, y otros pues fue el día anterior, fueron doce horas y media de ensayo, bueno desde las diez y media hasta las doce y media que terminamos de la noche, y el mismo día diez minutos antes de recibir a la gente con el piano y la acústica, estuvimos probando también, me tuve que cambiar a toda ostia.

LHR - Siguiendo con el concierto de “un día nada mas”, ¿como se siente uno al ver a toda la gente que reúnes? Fueron unas seis mil personas quien acudió a la cita de Pamplona.

El Drogas - Para hacer esto, lo que se hizo fue reunir a los que entendían de números, tanto los de la Cultura Rock o Black Izar que son con los que trabajo, que echaran números para ver como con dos mil o dos mil quinientas personas se podría cumplir con una producción concreta. Vieron que se podía. Salen a la venta cinco mil entradas y en dos meses se venden. Eso te da una tranquilidad económica que es la ostia. Ahí empieza a plantearse la grabación. A nosotros nos da igual tocar delante de cincuenta personas que mil, ya no por nosotros, pero si lo que es la producción en si, claro. Ahí va a ver mucha gente metida trabajando al doscientos por cien. En fin, sacamos cinco mil, pero nos dice la concejala que no habéis contado con los músicos, los invitados y toda la gente que trabaja ahí, entonces para el seguro había que incrementar el número, por metros cuadrados podríamos haber metido hasta ocho mil personas pero a mi me gusta que la gente tuviera espacio para moverse de un escenario a otro, o salirse y tener sitio para estar a su bola, no quería que fuera como un Viñarock. Pues calculamos que éramos unos cuatrocientos entre músicos, trabajadores y tal, y sacamos seiscientas entradas mas a la venta.

LHR - Aparte reúnes variedad de generaciones, ¿debe de ser gratificante?

El Drogas - Es una gozada, es lo mismo que mi familia, ahí estaban mis nietos, mis hijos y mi socia, estábamos tres generaciones. 

Es bonito. Yo en Pamplona voy por la calle quien más me paran son las abuelas, le resulto un ser entrañable y me cuentan sus cosas. Unas veces cosas relacionadas con -que flaco se te ve-, otras veces me para la abuela para decirme que en la guerra civil a su madre le dieron aceite de ricino y le raparon la cabeza, -Enrique no te metas en estas cosas y tal-

Luego formo parte también de esa gran familia en la residencia donde está mi madre con el alzhéimer, ahí vamos todos los días, estas con enfermos y enfermas y ya llevamos años relacionándonos todos, parece que estás en la película “Alguien voló sobre el nido del cuco” donde oyes conversaciones que para mi eso también es muy entrañable y bueno no se así es la vida.

LHR - En vez de preguntarte cuál fue unos de los mejores momentos, te voy a preguntar ¿cual fue el peor momento que pasaste en el concierto en la Ciudadela? ¿Si hubo alguno?


El Drogas - No lo hubo, nunca había hecho algo así. Hice más de maestro de ceremonia que otra cosa, ostia, con los bastones hice algo y tal pero no teatralice las canciones como a mi me gusta hacer. No se me hizo infinito la espera entre canción y canción cuando iba a salir un invitado, tenia una tranquilidad que en mi es innata, y eso que ese hueco de tres segundos sin música, yo que soy un histérico, se me pueden convertir en tres años. Ver la cara de felicidad de los invitados cuando salían, la cara de felicidad del público, la respuesta del todo el mundo, es la ostia.

Destacaría un momento que para mi refleja esa emotividad que supuraba el lugar, fue cuando tras terminar ya el disparos y tal, uno de los invitados nos hizo salir a los cuatro al escenario para saludar, al Brigi, al Txus, al Flako y a mi. Terminamos de saludar y nos vamos hacia la rampa de bajada, recuerdo que me abrace a mi socia descargando así toda la tensión y cuando empezamos a bajar  la rampa los cuatro, nos vemos puestos en medio circulo a muchos de los invitados y comienzan a aplaudir. Ese momento refleja muy bien lo que fue, fue muy emocionante, ya no pude más y empecé a llorar ahí como un crío, fue muy bonito, fue una historia que salio del corazón. Te encuentras arropado por una cantidad de gente, que tu además aprecias del copón y te están aplaudiendo, por ejemplo ver la cara de Rosendo, que ostia aguanto hasta el final, la cara de felicidad que tenia es muy representativa, fue la ostia vamos. Muy bonito.

LHR - Y hablando de Rosendo y de bastones, ¿como se te ocurre llamar al escenario a Rosendo sin guitarra?

El Drogas - Sí, fué él.

LHR - Recuerdo que dijiste , - que este no es Rosendo que no lleva guitarra- y le pasaste el bastón.


El Drogas - (Risas) Es la ostia, fue una de las cosas bonitas de toda esa relación de las llamadas telefónicas, mira esta canción y tal, y la gente me cambiaba de canción. Pues Rosendo no me cambio de canción, le dije: -la de “empujo pa’kí” Rosendo-, una del primer disco de Txarrena, que yo creo que es rhythm’n’blues y la ostia, con las dos guitarras, te sueltas en el punteo y tal,  y me dice: –oye Drogas sabes que he pensado, voy a ir sin guitarra- (risas). Joder ya me ha roto los esquemas, pero bueno que ostias, me parece de puta madre, no es tanto que este tu guitarra sino que vengas tu como se te pase por los cojones. Y fue así, y ahí apareció sin guitarra. Muy grande.

Lo mismo me pasa con el Yosi, el Yosi tenia que estar, me da igual que cante la canción para dentro o que la cante de espaldas, me suda el nabo. Tengo una relación con él, vamos en los ochenta era la ostia, que si yo le decía madero y a mi él pro-etarra, vamos un rollo de esos. Hasta que nos conocimos y a partir de ahí hemos tenido una relación bastante estrecha, vamos lo quiero del copón y tenia que estar.

LHR - En el directo no sale la canción de “un día nada mas” Héroes de David Bowie, ¿qué nos puedes contar?

El Drogas - No sale, aun no nos han dado pues eso, menos mal que con Los Zigarros decidimos preparar “la hora del carnaval”, esa semana y media antes, porque mi idea era hacer una canción ochentera con la gente más joven, pero no nos han dado todavía el visto bueno para editarla, para sacar la grabación.

LHR - El disco que presentas, recoges los dos conciertos que ofreciste en el escenario principal con la Rhythm´n´Blues Band y los disparos del Dr. Gas, con los diecinueve invitados. Imagino que era mucho publicar además las otras dos partes del concierto, la recepción y la Des- memoria. 
Hablando de la Des-memoria y las canciones de La tierra esta sorda he oído que ha salido o va a salir paralelamente a “Un día nada más” otro proyecto llamado “Sombras que la luz grita”. ¿Cuéntame un poco sobre el proyecto?

El Drogas - Eso ya esta. Lo que hicimos en la Des-memoria es la música o mas bien versiones de trece canciones de “La tierra esta sorda”. Eso lo llevamos a teatros de mediano o pequeño aforo, lo teatralizamos, llevamos atrezzos, nosotros salimos vestidos en concreto un poco de época buscando ese punto, detrás se proyecta proyecciones que preparo Clemente Bernad, que es un escritor y fotógrafo de allí de Pamplona, relacionado con la memoria histórica. Eso es otro espectáculo, otra historia, mi tercer paso de ese tema de la memoria histórica, primero fue “La tierra esta sorda”, la segunda durante esa gira la entrada en acústico en los institutos, que luego sale grabado bajo el titulo “En la memoria” con Barricada, este es el tercer paso y el último paso será esa música, con la banda, el generador, la furgoneta he ir a los lugares relacionados con la memoria histórica para dar protagonismo a esos lugares.

LHR - Para terminar ¿que nos va a ofrecer El Drogas en sus nuevos directos?

El Drogas - Pues esto va a ser impresionante, porque solo vamos a ofrecer más que cuatro tíos encima de un escenario y a saco, no va haber ninguna sorpresa, por lo memos entre noviembre y diciembre, va a ser dos horas y pico de hacer el macarra, vamos, me apetece ir como un grupo normal (risas). Poco a poco iréis viendo.

Podrás ver a El Drogas en directo por Madrid (18 noviembre, La Riviera), Bilbao (26 noviembre, Kate Antzokia), Valladolid (2 diciembre, Laboratorio de las Artes), Valencia (16 diciembre, Repvblicca), Zaragoza (17 diciembre, Oasis), Pamplona (22 y 23 diciembre, Zentral) y Barcelona (30 diciembre, Razz 2).


Texto: Oscar Arnau
Fotografías: Juan Díaz

Judith Mateo

Fnac Las Arenas Bcn

Quizá la deshidratación del salitre hiciese confundir a piratas y navegantes el lenguaje de las ballenas con el de las sirenas. Porque, si existiesen sirenas, más concretamente ondinas, su lenguaje sería idéntico al de un violín y, por fortuna, una auténtica maestra de ese instrumento, además de arrebatadoramente bella, es Judith Mateo.

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Una conquense internacional que bien podría ser una ondina, asturiana o irlandesa, que fue en busca de Clásico, convirtiéndose en primer violín de la Orquesta de la Universidad de Waterford. Qué, afortunadamente, se adentró en ese mágico mundo de la música Celta y, como Náyade inconformista e investigadora, nadó en muy distintas aguas. Y su reflejo en las aguas se materializó a modo de cuatro trabajos discográficos, a colaborar con grandes de la música, al paso por radio y televisión como presentadora, crítica o jurado musical. E incluso en prensa escrita con Mariskal Romero y hoy en día en otra revista digital. Una musa que inspira y materializa música con mayúsculas que ha hecho de un instrumento tan complejo como el violín, relacionado con extraños pactos gracias a aquel genial Niccolò Paganini, una extensión y un vehículo de ella misma y su necesidad de expresarse. Una exteriorización que, tras “Celebration Day”, su cuarto trabajo, con más de un millón de escuchas en Spotify en un año. Le ha llevado, junto a Chuse Joven, reconocido cantante de la banda de heavy rock “Atland” y tenor del Coro Amici Musicae del Auditori de Zaragoza, con el que ha cantado en Praga, Valencia, Madrid y Zaragoza, también colaborador periodístico en la revista digital junto a Judith. A su último trabajo, “Rock is my life”, donde da un paso más en la introducción del violín en el mundo del rock y cuya gira de presentación, proveniente de Japón, recaló el pasado día dieciséis de junio, en el “FNAC Arenas BCN” de la siempre layetana ciudad. Donde “La Hormigonera Rock” acudió a entrevistar a ambos, una vez acabó el concierto de siete de los diez temas que conforman su nuevo trabajo, “Rock is my life”. Y, aunque hubiera sido más fácil pedir que se entrevistaran a sí mismos pues, como ya hemos mencionado, son grandes profesionales dentro del mundo de la entrevista y la crítica musical, decidimos arriesgarnos y, sin querer, agotar las últimas fuerzas que les restaban después de un largo día de presentación.

“L.H.R.” – Aún a riesgo de resultar repetitivo, ¿Por qué el violín? 

“Judith” - ¿Por qué no? (Risas)

“L.H.R.” - También tocas la flauta travesera, entonces, ¿Por qué precisamente el violín? 

“Judith” – Vengo de familia de músicos, mi abuelo era músico y en mí casa se convirtió en algo obligatorio estudiar música. En Cuenca sólo era posible estudiar en el conservatorio, y a los siete años mi padre nos matriculó a mi hermana y a mí. Al principio tocas otros instrumentos pero, al final, me enamoré del violín, no sé por qué, quizá la sonoridad, la forma, el todo y, empecé a tocar el violín, acabé la carrera y…

“L.H.R.” – Te fuiste un mes a Irlanda…

“Judith” - ¡Tres años! 

“L.H.R.” – Ya llegaremos ahí, primero, algo que siempre dices, tu necesidad de tocar a diario el violín…

“Judith” – Sí, llevo más años tocando el violín que sin tocar el violín.

“L.H.R.” - ¿Qué es lo que tocas, cuando no estás ensayando? 

“Judith” – Técnica, en su mayor parte, sino tengo tiempo para estudiar o porque estoy de viaje, mínimo una hora. A veces me tiro esa hora haciendo escalas, que para el vecino de al lado debe de ser insoportable. Toco bastante clásico, eso si no estoy en plenos ensayos del último trabajo, depende de la etapa en la que estés, estudio una cosa u otra.

 “L.H.R.” – Por ejemplo, un dibujante, sin querer hace esbozos de ideas, algunas se plasmaran, la mayoría quedaran en ese borrador ¿Qué borradores emergen cuando tocas por necesidad personal?

“Judith” – Sí, tengo épocas en las que me digo, -Voy a componer-, y me obligo todos los días a escribir, vengo del Clásico, así que lo escribo todo con notas. Tengo un cuaderno donde escribo un montón de cosas y cuando quiero ponerme a hacer temas míos, echo mano al cuadernillo y voy cogiendo… pues esto, pues lo otro, pues esto no me gusta,…

“L.H.R.” – Y de ahí, de ese cuaderno…

“Judith” – Han salido discos anteriores.

“L.H.R.” - ¿Y el “Rock is mi life”?


“Judith” – Son todo versiones.

“L.H.R.” – Ya, pero ¿Qué te ha llevado a hacer esas versiones, quizá alguno de esos momentos de ensayo?

“Judith” – No exactamente, mi vida profesional, los discos, está unida a mi vida personal, los primeros discos vienen de la investigación musical y mis vivencias en Irlanda. Cada vez más los discos se han ido fusionando con el rock, mi paso por la revista Mariskal Rock, provoca una conexión directa con el mundo del rock. No había escuchado mucho rock y ahí comencé a descubrirlo conociendo a un sinfín de grupos, a entrevistar a algunos de sus componentes, a asistir a conciertos, escuchas más y más y, de repente, decido dejar un poco de lado la música Celta y hacer un disco de versiones, evidentemente, como no soy cantante me expreso como sé hacerlo, con el violín. Una idea que se convirtió en realidad conformando mi cuarto trabajo, “Celebration Days” y, al parecer gustó, no sólo a Mariskal, que me alentó desde un primer momento y escribió la entrada de éste y el siguiente trabajo. Sino a mucha gente, como demostraron a lo largo de un año más de un millón de escuchas en Spotify. Ese éxito me llevó, no sólo a planteármelo sino a llevarlo a cabo, mi quinto trabajo, “Rock is my life”. Con la diferencia que, en éste, aparece Chuse Joven, decide a hacer un tema, el single de Bachman- Turner, inédito en España, que es “Rock is my life”, lo adapta y lo canta en castellano.

 “Chuse” – La adaptación de Bachman-Turner Overdrive, la hicimos en castellano, es un tema sugerido por la compañía, Warner, un tema no editado en España. No es una traducción literal, sino básicamente, hemos intentado coger la esencia del tema, hago la adaptación un poco recogiendo su espíritu del rock de los setenta sin alejarme del claro mensaje de Bachman-Turner, el rock es más que un estilo de música, es una forma de vida. En otros temas, como “More than a feeling” cantamos algunos trozos, metemos unos coros en “Thunder” o a Lou Reed, en el tema “Walk on the  wild side”. Al final es un disco que tiene algo de voz, de instrumento vocal pero es un disco donde la voz principal es el violín. Es otra manera de entender la música rock y es un proyecto, para mí, de lo más vanguardista que ha habido últimamente en el rock, precisamente porque la voz cantante la lleva el violín y no la voz.

“L.H.R.” – En cierto modo, esa es una transgresión de las formas, desde luego, completamente positiva, qué sería el arte sin esas pequeñas o grandes vulneraciones. Pero, claro, precisamente por ello, en un principio, debe tener un precio ¿Cuál ha sido el precio de esa transgresión, qué obstáculos te has encontrado a lo largo del camino?

“Judith” – A ver, obstáculos, son… Iba a decir muchos, no son muchos, son varios y son diferentes. Soy mujer trabajando en un mundo hombres, motivo más que suficiente para topar con obstáculos. Otro inconveniente, ya sea tanto en el mundo de la música clásica, Celta o en el del rock, es que no hay suficientes mujeres, quería montar mi banda exclusivamente compuesta por mujeres profesionales y, fue imposible. Lo intenté en Madrid, presuponiendo que en una ciudad tan grande encontraría bateristas, guitarristas, bajistas y, no fue así. Quizá porque la mujer se profesionaliza dentro de la música, pero al final se tiene que retirar a causa de la maternidad, o por decisión propia o porque no está bien visto ser esposa, madre y música, no lo sé. 

“L.H.R.” – Es cierto que, grupos íntegramente de mujeres, no hay.

“Judith” – Es un hándicap, porque llega un momento que no pueden continuar.

“Chuse” – Yo conozco grupos de mujeres, pero hay pocos que aguanten.

“Judith” – Es una decisión que debes tomar a causa de la mayor cantidad de trabas muy distintas a las que se encuentran los hombres. Tampoco hay que olvidar que en el mundo de la música, son las mujeres las que se gastan el dinero cuando el artista es un hombre. Sobre todo cuando tienen entre quince y diecisiete años, van al concierto se llevan a la amiga, al novio y al amigo, porque están enamoradas del cantante. Éste crece y, a diferencia de la mujer que cuando cumple cuarenta años y se sube al escenario parece que todo el mundo piense -¿Qué hace la vieja ésta allí arriba?- El hombre, cumple cuarenta años y se convierte en interesante,…

“Chuse” – Machista, España es un país machista.

“Judith” – Si a eso le unimos que el concepto de instrumentista en España, es complicado incluso para los hombres, porque educacionalmente nos han enseñado que la música debe tener una letra cantada. Todo se une y, sí, muchos obstáculos, aunque también tengo que decir que no me puedo quejar. Nadie me ha regalado nada, todo lo he conseguido trabajando, trabajando y trabajando, por eso tengo cinco discos en el mercado y, soy super-cabezona , así que sigo, sigo, sigo, sigo, sigo, sigo… Y hago lo que me gusta, lo que sé y lo que me da la gana.

“L.H.R.” – Como el nombre de uno de tus temas “Haz lo que te dé la gana” de tu tercer trabajo “Ashes”. 

“Judith” – Sí, “Haz lo que te dé la gana”, hago lo que me da la gana.

“L.H.R.” – Hacer lo que a los músicos les da la gana parece que ya no es posible, quizá el problema de la música es que se ha convertido en un producto manufacturado…

“Judith” – No es que sea manufacturado, no hay que olvidar que la música es un negocio, un beneficio para todos. Para mí que subo a un escenario, que cobro y que tengo que pagar mis facturas, para el que vende los discos, para el que te contrata.

“L.H.R.” – Pero cuando hablamos de manufacturado…

“Judith” – Pre-hecho.

“L.H.R.” – Claro, a eso me refiero, a que te obligan, que llegues a un punto en el que tú tienes un producto y te viene alguien y te dice, -Perfecto, pero ahora vas a hacer esto, porque es lo que se vende.

“Judith” – Bueno a mí no me han obligado a eso, esa es la suerte, a lo mejor por eso no estoy en…

“L.H.R.” - ¿Los cuarenta principales?

“Chuse” – Pero, ¿Y Por qué no? Lo que dice Judith tiene razón, evidentemente, la música es un negocio y se rodea de una serie de medios. Yo vengo del heavy-rock, es muy difícil hoy en día hacer rock duro, sabiendo que es un tipo de música que, aunque la gente es muy fiel, ha sido desplazada por otras músicas. Gente joven, más joven que yo, no encuentra en los mainstream ese tipo de rock con el que yo me he criado y, ya entonces, empezaban a dar síntomas de que no iban a sonar. Por suerte encontramos internet, apareció en nuestras vidas y permitió descubrir una música que, a lo mejor, hace treinta años no hubiéramos conseguido escuchar pero, en mi opinión, no importa que existan los cuarenta principales y los grupos que en esa lista aparecen. Porque, creo, algo de culpa tendremos los que venimos haciendo rock, el público es el que tiene razón y, aunque hubo un momento que pensé que era debido a una manipulación mediática, que empujaba al público a consumir ese tipo de música. Ahora estoy convencido que es a causa de una falta de autocrítica de los que estamos en el mundo del rock. Algo hemos hecho mal para no llegar a tanta gente, se hicieron cosas muy buenas, pero creo que deberíamos reflexionar y, aunque podría ser tachado de subjetivo, ha habido un mucho de reflexión con el trabajo de Judith. No es un producto manufacturado, es verdad que este disco lo sugiere una multinacional como Warner,…

 “Judith” – El single.

“Chuse” – Sí, claro, el single en concreto, “Rock is my life”,… creo que tienen que coexistir las dos cosas.


“L.H.R.” – La alusión a los cuarenta principales, era en relación a una manufacturación tipo “Space Girls”, un producto elaborado únicamente para la venta. Aunque, realmente, era una referencia a aquellos cuarenta principales, donde podías escuchar grupos de rock…

“Chuse” – Claro, es a lo que me refería cuando hablaba de reflexión y de que algo estábamos haciendo mal en el mundo del rock. Yo conocí a los Maiden cuando sacaron el single “The Wicker Man” en los cuarenta principales.

“L.H.R.” – Exacto, entonces era así, hoy en día, la lástima de internet es que no tenéis un canal, claro, hace años no existía internet, primero había dos canales de televisión, uno casi inservible y más tarde hubo cuatro, antes de la explosión de canales de hoy en día. Y, entonces, había uno o dos programas de música que veía todo el mundo.

“Judith” – Sí, un grupo aparecía en ésta o aquel programa y al siguiente concierto lo petaban porque los habían visto en televisión. 

“L.H.R.” – Hoy en día no existe ese canal, hay muchos medios para escuchar y ver música, pero no existe un canal de acceso público donde se puedan ver y coincidir todas las bandas, solistas y tipos de música. Porque, las redes sociales son una trampa, círculos cerrados de donde no puedes salir, sino te ven no saben que existes.

"Chuse” – No, si tienes razón, y la industria tiene sus razones para hacer sus productos, y tiene sus razones para hacer sus discos, su estilo, yo tengo mis razones… Al final, tienes que creer en lo que haces, ser honesto como músico y, ya está, ya vendrán tiempos mejores. 

“L.H.R.” – Bueno, y un poco al hilo de todo esto, ¿Por qué creéis que la música en general se encuentra en un segundo plano, qué amenaza puede suponer socialmente?

“Judith” – Insisto, es sólo en España, por un problema educacional, no sé si continúa, pero en mi época te hacían estudiar una flauta de plástico que no servía para nada. Luego te enseñaban la vida de Mozart y de Beethoven, aburridísimas, y con eso cumplían la norma de la enseñanza musical. Sin embargo, Estados Unidos, por ejemplo, en primaria, en secundaria y en la universidad, cualquier alumno tiene la oportunidad de apuntarse a una banda de rock, a una orquesta de clásico o a lo que sea. Es decir, tienes a mano la oportunidad de aprender a tocar cualquier instrumento, incluida una batería, y llegar a expresarte musicalmente. En España, sólo se podía estudiar música clásica y en el Conservatorio para profesionalizarte, para conseguir un papelito que, luego, sirve o no sirve, ya sabemos cómo está todo esto ¿No? Gracias a la historia, a la pequeña evolución que hemos tenido, se ha introducido el jazz y el flamenco dentro del Conservatorio, eso sí, cualquier cosa relacionada con el rock queda completamente fuera.

"Chuse” – En Finlandia y en Alemania, puedes estudiar rock en el Conservatorio, también hay escuelas y tienes tu título oficial.

“Judith” – El problema, como ya he dicho antes, es educacional, la falta de importancia que se le dá a la música, a toda la música. Olvidando deliberadamente, que la música es uno de los canales más usados para la evasión momentánea de los problemas.

“L.H.R.” – Entonces, insisto ¿Por qué creéis qué es así?

“Judith” – Es más cómodo influir en los niños con el fútbol, dar importancia a marcar goles y ver sus “ídolos” en televisión que enseñarles a amar la música.

"Chuse” – O a convertirse en forofos de ídolos musicales de un Show Talent, que no los desprecio ni mucho menos, hay cabida para cualquier forma de expresión musical. Pero si con ello, lo único que se consigue es un ídolo de temporada, algo efímero, deja de ser realmente música y se convierte en algo similar al fútbol. No sé cómo explicarme, volvemos a la base, los grupos… Profesionalizarse es complicado pero, evidentemente, tiene que haber base musical y tendría que haber un apoyo de todas las partes, educación e industria. Al final es un compendio de todo y con todo eso levantar la música, España está a la cola de Europa en temas de educación musical, creo que hasta países económicamente más bajos que el nuestro tienen una cultura musical mucho más rica. Aquí, lo que ha dicho antes Judith, la flauta dulce e irte a tocar a la banda del pueblo y, si tienes suerte, te tocará una trompeta, o… Es complicado.

“L.H.R.” – Bueno, hay que cambiar muchas cosas, desde luego y, hablando de cambiar y culturas distintas, acabáis de llegar de Japón, ¿Qué supone tocar en Japón?

“Judith” – Una pasada, ha sido una experiencia, no habíamos estado ni personal ni profesionalmente por Asia, con lo cual el choque cultural,… El primer concierto, en el teatro del Instituto Cervantes, organizado conjuntamente con la Embajada, las ciento y pico de butacas estaban casi todas ocupadas por un público extremadamente correcto. Pero, en la hora y cuarto que estuvimos tocando, se animaron dando palmas, bailando, haciendo los cuernos, cuando para los japoneses no significan nada. Increíble, aún más cuando, una vez finalizado el concierto, el director del Instituto Cervantes insistió en fijar fechas para el año siguiente acudir con la banda. Muy contentos, la verdad, luego estuvimos en otro concierto, otra presentación, y por último un concierto con banda que, gracias al Manager de Chuse, que tiene su disco editado en Japón. Nos puso en contacto con una banda japonesa y, cómo músicos, fue algo muy interesante y enriquecedor. Ensayar, ver como ensayan, ver como hacen la prueba de sonido y, finalmente realizar el concierto, esa forma tan particular de tomarse la música,…

"Chuse” – En la prueba de sonido se hicieron todo el repertorio tres horas antes, decían que llevaban pocos ensayos, lo hacían perfecto, aunque ellos no lo creían.

“Judith” – Sí, lo hicieron muy bien, tienen un tecnicismo muy, muy alto, pero les falta alma.

"Chuse” – Les falta un poco de Grunge, no sé. Son muy buenos tocando, los grandes han grabado allí, por algo será.

“L.H.R.” – Volviendo al viejo continente y escuchándote tocar música Celta, casi es posible imaginar a una de sus diosas de la mitología, Brigid o Epona, y, aún conscientes de tus raíces asturianas ¿De qué manera influyó la magia de aquellas tierras para volcarte en su música?

“Judith” – Porque la música Celta desarrolla mucho el violín…

“L.H.R.” – Casi ha sido una pregunta tonta, era obvio (Risas desenfadadas de todos)

“Judith” – Sí, cuando estás en el clásico la otra música que puedes investigar o que te llama un poco la atención es aquella donde se desarrolla tu instrumento y, en mi caso, la música irlandesa. Hubo muchos factores que se unieron, quizá casualidades de la vida, aunque creo que no hay casualidades en la vida, que todo ocurre porque tiene que ocurrir. Me fui a Irlanda, investigué, allí me quedé más tiempo de lo que esperaba, me casé, me volví, tomé contacto con distintos mundos de la música, creé, conocí a Chuse, que es mi actual pareja. Justo en el momento oportuno cuando estoy haciendo éste disco, aparece él, hace la adaptación… Insisto, no creo en las casualidades, soy una persona que no desaprovecha las oportunidades que tengo. Vivo mucho el día a día, no sé qué pasará en el futuro, porque puedes salir a la calle y ser atropellada, vivo el ahora y ahora mismo me encuentro, nos encontramos, en el momento de disfrutar “Rock is my life” en directo, ni estoy pensando en otro disco, que también me lo han preguntado, ni nada más.

“L.H.R.” – Claro, sólo con la gira de presentación, cómo para estar pensado en otro trabajo, así que, y, ya, para terminar, ¿Para cuándo un concierto en Barcelona?

“Judith y Chuse” – Para Septiembre, octubre, esperamos venir en otoño.

 “Judith” – Tengo ganas de venir a Barcelona, estuve una vez con los “Tullianos”, de hecho hoy ha venido alguno de ellos a la presentación. No sé si conocéis la Asociación de Seguidores de Jethro Tull de Gavá, los “Tullianos”, hacen un Festival anual y me invitaron un año, es la única vez que he tocado aquí. Y tengo, tenemos ganas, esperamos fijar fechas para otoño.

“L.H.R.” – Y ya, sí, para terminar y dejaros ir a descansar que se os ve agotados ¿Queréis agregar algo más?

“Judith y Chuse” – Sólo, muchísimas gracias.

Agradecimiento recíproco y mayor, si cabe, por parte de “La Hormigonera Rock”, no sólo por responder a nuestras preguntas qué, quizá, se alejan un poco del tema principal de ese día, la presentación de su último trabajo “Rock is my life”. Diez temas de rock and roll que van desde “Smoke on the wáter”, de “Deep Purple” a “Sweet home Alabama” de “Lynyrd Skynyrd”. “Nothing else matter” de “Metallica” a “Thunder” de AC/DC o desde “La Grange” de ZZ Top a “Cotton eye Joe” de Rednex o “Basquet case” de Geen Day. Y, desde luego, los ya nombrados en la entrevista, “Walk on the wild side” de Lou Reed, “More than a feeling” de Boston y el que da título al trabajo, “Rock is my life” de Bachman&Turner. Si no también, por su trabajo, por el riesgo de acometer un proyecto y llevarlo adelante presentando un trabajo tan increíble como “Rock is my life” de Judith Mateo.

Entrevista por Yon Raga Kender
Fotografías: Manuel Alférez

Jorge Martinez "Ilegales"

-Abatidos pero erguidos- “Ilegales” es capaz de tragar ese poso amargo que lleva consigo el Rock & Roll, respondió Jorge hablando sobre lo que suponía para la banda la repentina y sorprendente muerte de Alejandro Blanco. Y, sin reponerse del golpe, como también dijo el vocal, guitarra y compositor del grupo, “Entre depresión y rock & roll, hemos elegido el rock & roll” con la ayuda de Willy Vijande quién, aún habiendo declarado que no volvería a tocar el bajo, también ha elegido el Rock & Roll. Cumplen así con sus seguidores en “La vida es fuego – Tour 2016” que se inicia en la Villa, pasando por Barcelona, Castellón, Sevilla, Granada, Bilbo, finalizando en Zaragoza con nuevos y viejos temas. Por motivo de esa gira y antes de que pasen por Barcelona, en la Sala Apolo, “La Hormigonera Rock” ha querido entrevistar a Jorge Martínez, líder de “Ilegales”. Y responsable de un tanto por ciento muy elevado de que esa música haya llegado a casi todos los rincones del mundo, con un sello muy particular, la marca Ilegal.

LHR - ¿Una marca que nace con Madson, grupo que creaste junto a tu hermano Juan Carlos y tu amigo David Alonso o bien nace el uno de mayo del cincuenta y cinco? 

Jorge - Tan pronto como en el 55 no pero en el 59, con cuatro años de edad Elvis Presley sembró la semilla que habría de crecer implacablemente. Madson es una etapa crucial para el "sonido ilegal", una fase importante del experimento.

LHR – “Ilegales” mantiene ese halo de “malos” y algo apartados socialmente, sin embargo, vuestras letras intentan aleccionar al público ¿No es esa una forma de mostrar bondad y, no sólo estar integrados socialmente, sino además inesperadamente responsabilizados? 

Jorge - Sólo hemos hecho bien a un mundo que nos condena de antemano. Cuando los artistas y agitadores funcionan transgrediendo se ensanchan las cotas de libertad de un pueblo pero se contraen cuando todo es políticamente correcto. La mansedumbre es incalculablemente insana y peligrosa. 

LHR - Vuestras letras, según tú mismo has dicho, tienen, no sólo una doble lectura, sino hasta tres y cuatro, ¿Qué crees que elige el público, una lectura facilona o busca esa tercera y cuarta interpretación? 

Jorge - Depende de las capacidades del receptor, un buen bagaje de conocimientos literarios y un espíritu fuerte aseguran una buena asimilación. 

LHR - Es evidente, ha habido distintas formas de aceptar vuestras letras y, teniendo en cuenta tus propias palabras, -El momento que se está viviendo pedía a “Ilegales”-, si hemos llegado al momento y situación actual ¿Por qué creéis que podéis conseguir que la gente elija ahora una alternativa que, está claro, la gran mayoría no tuvieron la voluntad de elegir antes? 

Jorge - La libertad se ha contraído tanto que ha dejado de ser un valor a la baja. Hay que ser duro para ser libre y si no luchas te matas. "Ilegales" son un buen reconstituyente y pueden cambiar, un poco, el ambiente.

LHR - Y si, de nuevo, tenemos en cuenta tus palabras en las que sentencias a modo interrogativo “-¿Qué es el rock and roll, sino un ejercicio de arrogancia?”- ¿Cuál es el tipo de arrogancia que ejercita Ilegales? 

Jorge - Nuestra arrogancia no va más allá de la prescrita para un buen ejercicio del rock&roll. Se nos acusa de ser tremendamente accesibles, la carencia de inseguridades nos ha hecho así.

LHR - Aquella frase, ya mítica, que espetaste cuando tocabais en directo en televisión “Señora, si no le gusta mi careto, cambie de canal”. Es un resumen claro de vuestra capacidad para barajar distintas posturas de una misma idea, elegir la vuestra pero, no por ello dejar de lado el resto y continuar teniéndolas presente ¿Esa visión, que no sólo os permite llamar a las cosas por su nombre, sino que elegís compartirla, no es a la misma vez una postura muy subjetiva que puede llevar al inmovilismo?

Jorge - La frase se me apareció de manera automática, como muchas otras frases. Es poco probable que gente, tan nerviosa, como "Ilegales" se acomoden en alguna postura. Cuestionar, si no todo, un montón de cosas es nuestra naturaleza. Cuesta trabajo dejar las propias convicciones sin erosionarlas.

LHR - Vuestro último trabajo, que da nombre a la gira, “La vida es fuego”, ha sido tildado de brillante por la crítica, un hecho al que estáis acostumbrados pero ¿Qué diferencia hay entre éste “La vida es fuego” y “Todos están muertos” o “Regreso al sexo químicamente perfecto”? 

Jorge - Admito que contiene un alto grado de "tics" muy ilegales. Se trata de una colección de temas urgentes que han luchado por vivir y se han impuesto obligándome a retomar el trabajo con "Ilegales" tras cinco años disueltos. "La vida es fuego" proviene de una fuente torrencial que yo creía seca. Guardamos varias buenas canciones en el disparadero porque la cosecha ha sido tremendamente abundante. No reniego de ningún trabajo anterior pero este sonido es muy "ilegal" y es el que nos satisface en el presente. 

LHR - Hoy en día el tema “Eres una puta” sería tachado con mil calificativos y, ninguno bueno, en este “La vida es fuego”, nos encontramos con unos temas menos abruptos, con la elegancia de una retórica quevediana, algo alejado de esa imagen del eructo y el -¡Joder!- que es parte de “Ilegales” ¿Es debido a que el setenta y siete queda muy lejos o forzado por las nuevas formas sociales? 

Jorge - En este momento, a mi boca, no llegan exabruptos pero es difícil la cura de este tipo de posturas y es probable que, en algún momento en que las emociones colapsen las capacidades racionales vuelva a aparecer el punk con tremenda virulencia. Los exabruptos, en ocasiones, pueden ser muy valiosos y expresivos. No deberían descartarse nunca.

LHR - Y, si existe, ¿Qué diferencia habrá entre “La vida es fuego” y ese siguiente disco que saldrá más adelante? 

Jorge - Como decía "La vida es fuego" contiene todos esos "tics" ilegales, lo hemos hecho intencionadamente porque nos pareció que era lo mejor para celebrar el reencuentro con el público. En el siguiente disco tendremos más presente la obligación de experimentar.

LHR - Estáis preparando un documental “Mi vida entre las hormigas” y también has hablado de un libro a posteriori, ambas cosas podrían dar a pensar que es el colofón final a vuestra carrera. No obstante, ese disco que saldrá más adelante, augura más vida de “Ilegales”, eso significa más giras y, aunque tú mismo ya has comentado -¡Pero es que me encuentro de puta madre!-, es una pregunta obligada ¿Hasta dónde queréis llegar? 

Jorge - Vivir, queramos o no, ha de costarnos la vida. No hay disculpa que cancele la obligación de morir. Seguiremos hasta que se apague la luz.

LHR - Y, ya por último, ¿Quieres decir algo a nuestros lectores de “La Hormigonera Rock”? 

Jorge - El momento es ya. No lo desaproveches.  

LHR - Muchas gracias por atendernos, nos vemos el 29 de Abril en la Sala Apolo de Barcelona.

Jorge - ¡Salud, camarada!

-No hay disculpa que cancele la obligación de morir. – “Ilegales” en estado puro, la crudeza de la realidad mostrada con sutileza en la textualidad musicalizada. En ese rock&roll demonizado que, mal que pese, es parte de un pasado y un presente de alguna manera subyugado a esos ritmos y contextos. Que, a partir de mañana en la Villa y hasta el veintiuno de mayo en Zaragoza, volverán a la rabiosa actualidad con la entrega acostumbrada, “Ilegales - “La vida es fuego – Tour 2016”.

Rebecca Newey "Maybe Pretenders"

Rebecca Newey es una de esas personas que, a poco que eches un vistazo a su recorrido vital cobra sentido aquella frase que dice “No están todos los que son, y no son todos los que están”. Actriz, modelo y, ante todo, cantante, compositora y letrista, con un amplio recorrido que le ha llevado, entre muchísimas cosas, de gira por Europa con el grupo estadounidense de hip hoy y soul, “The Fuggees”. A colaborar con la banda de Bristol (U.K.) Massive Attack, con “Groove Armada” de Cambridge (U.K.), en la multigalería artística de Amsterdam “Supperclub”, con Jeansy Aúz, y Micky Forteza, compositores y productores. Y crear sus propios discos “Newey-Albúm” con el reconocido compositor Nacho Sotomayor, “Recall” con Carlos Sánchez productor y compositor musical. Y, cumplir un sueño, crear su propio grupo tributo a Chrissie Hynde, o, lo que es igual “Maybe Pretenders”, que podremos disfrutar el próximo día 30 de abril en la “Sala Les Enfants” de Barcelona.

LHR - “Maybe Pretenders” es en realidad una muestra de tu admiración profesional por Chrissie Hynde ¿Verdad?

Rebecca Newey: La verdad es que desde mis 4 años en adelante es lo que escuchaba en casa de mis padres. Mi padre ingles y gran melómano escuchaba mucha música y por lo consiguiente toda la familia, cosa por la cual le doy las gracias, así que casi todas mis influencias son británicas. The Pretenders fue aquella banda, liderada por una chica, entonces …como Blondie, en esa época y yo me sentía muy identificada con la manera de cómo cantaba Chrissie sus temas. La llevo muy dentro …y desde hace mucho….un gran icono musical.

LHR – Como no podía ser de otra manera, te has rodeado de músicos increíbles, Nacho Álvarez, Jaime De Jesús “Jimmy”, David Prieto y Joaquín Alguacil ¿Cómo les propones formar “Maybe Pretenders”, la primera y única banda tributo a esa banda anglo-americana?

Rebecca Newey: La verdad que fue muy fácil… Ellos me lo pusieron muy fácil. Lo comenté y empezaron a tocar temas …(Risas). Ya les gustaba mucho. Además les encantó la idea de que no hubiera 15 tributos más de esa banda. Supongo que también lo tomaron como un reto ¡Y yo, encantada!

LHR – Es mucho más que evidente, en vuestras actuaciones, no sólo estáis trabajando sino que estáis disfrutando que es, al fin y al cabo, la finalidad de cualquier artista pero, ¿Cuántas horas de ensayo hay detrás porque, conseguir el sonido de Pretenders no es tarea fácil?

Rebecca Newey: La verdad es que no lo es, juntar sus mejores singles y darles su sonido ha sido un año entero de ensayos. Bastante difícil. Pero se puede decir que ya estamos contentos con el resultado.

LHR – Trabajo, mucho trabajo, y, sobre todo, talento, de ambas cosas desbordas a raudales, como ya has demostrados en la composición y creación de tus propios trabajos pero ¿Por qué crees que es tan difícil hacerse un hueco en el panorama musical?

Rebecca Newey: Yo creo que todo empieza por la educación musical de un país. Y luego, claro está, dependiendo de la ayuda de las tecnologías …T.V, Radio,… Aunque ahora con Internet y las redes sociales es mucho más fácil de enseñar tu trabajo a más gente. Yo no me puedo quejar, musicalmente hablando, ya que trabajo mucho fuera del pais.

LHR – A la mayoría ya los conocías pero ¿Qué influencia ha tenido en ti el encontrarte hace poco, en el Homenaje a Germán Coppini, compartiendo escenario y espacio con tanta historia de la música? 

Rebecca Newey: Para mí ha sido todo un honor compartir escenario con ellos y a la vez he aprendido muchas cosas escuchándoles. Yo creo que siempre se aprende de los demás, y aún más con gente de tanta trayectoria. Aunque no era mi tipo de música sí que los admiraba.

LHR – Ese encuentro con tan experimentados creadores, ha podido suponer, de alguna manera, una influencia en tu próximo proyecto personal, al margen de “Maybe Pretenders” y, en cualquier caso, en ese próximo proyecto ¿Qué vamos a descubrir de ti?

Rebecca Newey: Vais a descubrir una faceta rockera pero con pinceladas dulces a la vez. Un poco más de mi misma, supongo. De cada cosa que creas va un trocito de ti siempre.

LHR – Que eres risueña y alegre, es evidente, pero, sin llegar a ningún tipo de tragedia irreparable y dentro del mundo artístico, ¿Qué podría llegar a borrar esa sonrisa, a qué teme tu fuerza creativa?

Rebecca Newey: Sinceramente, a nada. Todo creativo necesita crear y mostrar lo que hace; eso es lo que yo hago. Si algún día pudiera vivir solamente de ello sería maravilloso pero tampoco me quejo.

LHR – También, es evidente, quién prueba la madera de un escenario, no quiere descender de él, no hay duda, esa necesidad egótica del ser humano se sacia, en parte, con el entablado pero ¿Qué más da un escenario al artista, qué adicción positiva sacias tras el micrófono?

Rebecca Newey: Supongo que te refieres al reconocimiento de las personas. Eso es lo que se busca en un escenario y pasar un rato agradable con mucha gente de tu misma onda. Hacer una gran fiesta. Al menos es lo que yo pretendo.

LHR – La creatividad es un animal salvaje e imprevisible con muy diferenciadas naturalezas ¿Al margen de la obligada experiencia vital cuál es la naturaleza de tu creatividad?

Rebecca Newey: Cualquier cosa en el día a día. Cualquier cosa que me pase a mí o a algún amigo, lo transformo a canción. Algo que te hayan contado y que te mueva, eso es.

LHR – A esa creatividad tuya, si pudiera convertir un deseo en realidad, ¿Con que solista o grupo le gustaría compartir cartel? Y ¿A qué escenario, bien fijo o montado especialmente, te haría más ilusión ascender?

Rebecca Newey: Siempre me ha encantado Bjork, por su música excéntrica con la que me siento muy identificada. En Barcelona, me encantaría subir a algún escenario de la Mercè, en Londres a alguno del Notting Hill Carnival, en el Festival de Benicassim… A ese nivel, ya me entiendes. Y, sobre todo, seguir siempre girando. Eso es lo más importante.

LHR – El inmediatamente próximo es el de la Sala “Els Enfants” liderando “Maybe Pretenders” con la que disfrutaremos de un gran concierto ¿Te gustaría añadir algo a la entrevista?

Rebecca Newey: Nada más. Que habrán muchas sorpresas de artistas que subirán al escenario en Barcelona y que será una gran fiesta garantizada con sabor “Maybe Pretenders”.

Rebecca Newey, una creativa en constante evolución que, como la mayoría de los artistas de esa tierra que se extiende desde los Pirineos al Peñón, tiene un mayor reconocimiento a su ingente labor allende esas fronteras terrestres. Pero que, no por ello, su constancia se resquebraja disfrutando, además de por su continuada creatividad, con esos directos  homenajeando a una de las artistas que marcaron su camino musical. Liderando el único grupo tributo a aquella mítica banda, “Pretenders” que será posible disfrutar el próximo día 30 de Abril en la Sala “Les Enfants” de Barcelona, con ella, Rebecca Newey y “Maybe Pretenders”.

Entrevista por Yon Raga Kender

Awake

Awake es un cuarteto barcelonés formado por Didak, Neushinha, Marky y Tavi que hacen un “prog rock” fresco, profundo y atrevido. Acaban de lanzar “Six Years Of War” su último trabajo y con motivo de su presentación “La Hormigonera Rock” ha querido entrevistarles.

L.H.R - A estas alturas, todos conocemos el significado de “Awake”, esa necesidad del despertar de uno mismo para vivir realmente la vida, y el porqué de la elección explicada por vosotros mismos en vuestra página web pero, ¿Cuál es el porqué de “Awake”, del grupo? ¿Qué intentáis transmitir?

Awake - Buenas, pues la verdad es que es bastante literal en sí. Los cuatro componentes de “Awake”, sentimos en primera persona ese "despertar" que te hace tomar decisiones en la vida, que muchos criticarían, pero que son la única manera de ser libre y también de cambiar las cosas a nivel global. El mensaje, y lo que se quiere transmitir, es quizás esa magia del momento en que escuchas una canción por primera vez, y algo de ella te enamora y te hace sentir, viajar, y sobretodo disfrutar de una canción que realmente nació de un sentimiento real, sea el que sea, pero de verdad.
En realidad siempre se sueña con cambiar el mundo, con que tu mensaje ayude a otras personas, soñamos llegar lejos, y sobretodo transmitir fuerza, luz, y esa necesidad de cambio global para acabar con la crisis, no la económica, si no la de la humanidad.

L.H.R - “Dream Theater” os marcó, no sólo para elegir el nombre de su disco de 1994, “Awake”, unido al significado de la palabra, sino por esa búsqueda del virtuosismo técnico de la que, es indudable, puede hacer gala ese grupo. Aunque, creo que en el mundo del arte todos estarán de acuerdo, a veces, el error o el fallo, es precisamente lo que marca una diferencia y da una inesperada calidad ¿Cuál sería vuestro fallo, qué error, si sois conscientes, es el que hace de “Awake” un grupo distinto? 

Awake - En realidad me gustaría aclarar que no escogimos el nombre por el disco de “Dream Theater”, aunque nos consideramos super fans de ellos entre otros muchos grupazos de estilos muy diferentes, desde la Clásica, Rock, Metal, Jazz, Blues, etc. Y el error que nos hace especiales es precisamente nuestra imperfección, somos reales, no buscamos el virtuosismo, pero tampoco lo esquivamos. Componemos canciones reales que muchas veces nos ponen a prueba a nivel técnico, y creo que eso es bueno. Buscamos nuestra mejor versión de nosotros cada día, ensayamos mucho, pero somos siempre fieles a nuestra necesidad compositiva. Otro error que nos caracteriza, es que quizás hemos sido muy inocentes en nuestros principios, y nos han tomado el pelo en alguna ocasión. Eso te ayuda a crecer, madurar, y sobretodo querer hacerlo todo uno mismo, no vaya a venir alguien a decirnos cómo tocar un tema, o cómo hacer un videoclip. Recuerdo una vez, un mánager quería que yo, Neusinha, fuese la imagen principal de la banda dejando a los demás atrás, aparte de timarnos algo de pasta, cosa que obviamente, “JAMÁS” conseguiría. Hemos aprendido, y cometer errores es la manera más antigua de aprender ¡A tortas!

L.H.R - Y, en cuánto al virtuosismo ¿Creéis que lo habéis conseguido? Y, si es así ¿Es posible centrarse en la técnica y, a la vez, crear un estilo propio con personalidad?

Awake - Dejar claro que, personalmente, no entendemos la música sin alma, sin feeling, sin verdad y desnudez... El virtuosismo puede convivir con todo ello, pero nunca sustituirlo. Es por ello que al componer, nunca se busca el virtuosismo en sí, no creo que sea nuestra onda, no nos planteamos estas cosas de esta manera. Arreglando un tema puede ser que Marky, el baterista, cante un riff a Tavi, el guitarrista, yo lo doble con el teclado y Dídak con el bajo haga una línea paralela brutal. Pero eso siempre es fruto de la inspiración musical, y no de la búsqueda del virtuosismo en sí, aunque claro está, que cuando consumes prog y metal, el virtuosismo llama a menudo a tu puerta, ahí está el reto, en llegar a ejecutar las cosas que se nos ocurren.

L.H.R - Hay una marcada feminidad en vuestros temas, el enfoque de vuestras letras profundo, sensual y romántico a la vez, se encuentra algo alejado del romanticismo masculino más sexual e incluso, más que violento, tosco ¿Os resulta más costoso abriros camino por ello, ya no sólo entre el público masculino, sino, también entre el femenino o no hay diferenciación alguna? 

Awake - Imagino que al ser yo la que escribe las letras, algo de feminidad habrá, aunque es bien cierto que las nuevas canciones, y muchas de las antiguas, hablan sobre todo de luchar por la libertad, de cambiar, de hacer frente a los retos, de superación personal, de la música... Son temas muy femeninos, pues las mujeres somos luchadoras y valientes también, pero nunca enfoco los temas para que sean masculinos, femeninos ni nada de eso... Es más, me vienen a la mente muchos clásicos metaleros de grupos enteramente masculinos, con baladas mucho más femeninas a nivel de letras y melodías que cualquier canción de “Awake” (Risas). Bueno, fuera coñas, es cierto que como mujer me encuentro a diario con machismo, y es cierto que en el mundo de la música lo hay, pero realmente es una cosa que no me planteo nunca, ni cuando hablo de “Awake” ni cuando me presento como músico. En toda mi vida me he encontrado con mucho machismo en el entorno laboral y social, pero precisamente en la música, es donde intento no pensar en ello, porque de entrada es un sentimiento que te hace empequeñecer a la hora de hablar con hombres para negociar condiciones en una sala, o compartir escenario, o acordar lo que sea a nivel musical. También me he encontrado con algún músico machista rebotado porque una niñata como yo le ha corregido algún arreglo musical, esas cosas pasan.
Con “Wake Up”, en el videoclip, intentamos transmitir un poco esa intención de erradicar el machismo. Y a nivel de seguidores, creo que nos siguen por igual hombres que mujeres, incluso niños ¡Que son el público más difícil!

L.H.R - Ahora sois una banda consolidada, en cuanto a vosotros como componentes del grupo, aunque, para muestra vuestro propio pasado reciente y el presente y pasado de muchas otras bandas, lo de banda consolidada puede ser algo efímero por mil causas pero, ¿Qué esperáis de “Awake” y que objetivo perseguís como grupo y cada uno personalmente? 

Awake - Bueno, en ese aspecto creo que todos soñamos con vivir únicamente de la música con dignidad, y eso ya es todo un reto en sí mismo. Pero sobretodo, nuestro mayor objetivo, es pasarlo bien persiguiendo este sueño y hacer buena música que mueva masas, que cambie el mundo.

L.H.R - El nombre de vuestra Edición Especial “Six Years of War”, ya orienta sobre lo difícil que es el mundo de la música y, además, abrirse un hueco. Lleváis casi siete años de formación y con éste último, tres discos editados ¿No ha habido más discos por falta de tiempo, por la dificultad de editar un disco, aunque sea a través de Crowdfunding como habéis iniciado en vuestra página Web o, sencillamente, porque no se puede forzar la máquina?

Awake - No hemos grabado más discos y más videoclips por PURA FALTA DE DINERO. Y digo falta de dinero, porque recursos, imaginación, creatividad y amig@s que nos han ayudado a hacerlo ¡Nos sobran! Hemos conseguido estos discos y videoclips sin casi dinero, y poniendo el poco que teníamos en poder grabar en vez de tener una vida normal. La gente no se hace a la idea de lo que cuesta, venimos de familias humildes y hemos vivido como todos, la crisis en nuestra piel, y lo que cuesta en esta situación sacar videoclips y discos como lo hemos hecho. Aprovecho para animaros a colaborar y donar para poder grabar el próximo disco, que ya está escrito y solo nos falta dinero para grabarlo. La intención es poder “GRABAR A FINALES DE AÑO GRACIAS AL CROUDFUNDING de AWAKEBCN.COM. http://awakebcn.com/”

L.H.R - “Six years Of War” es un repaso a éstos años, incluso, a un tiempo, como el de la Demo, en que “Awake”, casi, no era más que una idea. ¿Qué evolución, no sólo porque contáis con siete años más, existe entre ese “Whihout Your light” y “New Age”?

Awake - Hay muchas cosas que no da tiempo a contar, la vida del músico suele estar llena de aventuras. Confesarte que “Awake” empieza a ser una idea a mediados de 2009, aun cuando Marky y yo misma, habíamos estado haciendo castings e incluso ensayando con algún otro músico, antes de encontrar la que sería la primera formación el 22 de febrero de 2010.
A parte de las mil anécdotas, sí que podría afirmar con rotundidad que musicalmente hemos mejorado mucho. Lo veo sobre todo en Marky y en mí, porque son más de siete años juntos con este proyecto en el que hemos aprendido a tocar otros instrumentos y hemos evolucionado mucho con los que ya tocábamos. A parte, la evolución de Dídak, que entró en “Awake” para salvarnos en un directo que nos habíamos quedado sin músicos, y desde ese concierto en 2012 hasta ahora. Tavi, que está en “Awake” con la guitarra desde finales de 2013 aproximadamente, también ha pasado de tener un estilo de Rock puro, a abrir un abanico espléndido de recursos musicales con la guitarra. A parte de la música estrictamente, lo que más me gusta de la evolución, el trabajo y todas las dificultades y demás, es que “Awake” es una familia. Que se quiere y se lo pasa genial ensayando, componiendo y tocando en directo para nuestro público. Ese es el mejor resultado y la mejor evolución que veo en “Awake”.

L.H.R - “Nanana”, es ese tema que guardáis en directo para el final, se podría pensar que lo hacéis por la facilidad del estribillo “Nanana”, sin embargo, parece que entre vuestros seguidores se ha convertido como en el “Satisfaction” de los Rolling ¿A qué creéis que se debe?

Awake - (Risas) Qué buena descripción, muchas gracias por la parte que nos toca, es todo un honor compararla con un ¡"Satisfaction"! En realidad es una canción que habla de una experiencia alucinógena, pero sin contarte más de su letra, te diré que realmente creo que es el ritmo, la musicalidad y energía que tiene la canción, lo que hace que el público la coree.

L.H.R - La música, sea la que sea, se debe al directo, al contacto del público con el músico ¿Qué sensaciones, quizá hasta contrapuestas, encontráis entre los momentos de creación y la respuesta del público?

Awake - La verdad es que nunca, nunca te imaginas a un montón de gente cantando tu canción cuando la escribes. La gracia de una canción, creo, es que sea de verdad, que hable de algo sincero, imaginado o vivido en tu propia piel o en la piel de alguien cercano, pero algo de verdad. Creo que el público vibra con las canciones de verdad, porque notan la emoción con la que se toca y canta y, eso, es lo que al final mueve al público a cantar tus canciones y disfrutarlas. Sobretodo el hecho de que lo pases bien cantando y tocando, eso se traspasa al público directamente. De hecho, la primera vez que “Awake” tocó sus temas en directo, fue en una “Jam Session” en 2010, en “Big Bang” de Barcelona, y os aseguro que todo el público coreó “Won't be the same”, pese a que era la primera vez que la tocábamos delante de público. Esa clase de vivencias, te emocionan y te ayudan a seguir trabajando duro, aunque en muchas ocasiones te cueste creer en tí mismo.

L.H.R - Y, desde luego, aunque por lo anteriormente respondido, parezca una pregunta innecesaria y hasta fuera de lugar ¿Cuál es, para cada uno de vosotros, la razón por la que os subís a un escenario?

Awake - Lo que comentaba antes, lo pasamos genial juntos, somos una familia Rockera y vivimos el escenario como una cosa necesaria en nuestras vidas. Personalmente no puedo estar más de un día sin tocar y “Awake” es la mejor manera de pasar el tiempo.

L.H.R - Para terminar ¿Con qué grupo o grupos os gustaría compartir cartel? Y  ¿A qué escenario, bien fijo o montado especialmente, os haría más ilusión subir?

Awake - Creo que a cada uno nos gustaría hacerlo con varias bandas diferentes y la lista sería larga, desde “Scorpions”, “Transatlantic”, “Dream Theater”, “Kiss” y muchos más, muchos ya no viven incluso. El escenario, algo bestia, grande, con varias decenas de miles de personas, como un “Wake” o “Rock in Rio”.

L.H.R - Y, si os parece bien, ¿Os gustaría enviar algún mensaje a vuestros seguidores y amigos?

Awake - Sí, eso siempre. Se os quiere familia, gracias por ayudarnos siempre, por venir a nuestros directos y disfrutar y compartir nuestra música. Eso da el sentido absoluto a nuestro esfuerzo y trabajo, siempre gracias ¡Os queremos! ¡Arriba Awakeners!

“Awake”, una banda de “prog rock” cuya calidad es incuestionable, como incontestable es la sincera y familiar dependencia de sus seguidores, a los cuales brinda cada uno de sus conciertos. En los que, a lo largo de éste año, con la frescura de sus directos, seguirán presentando su último trabajo “Six Years Of War”.

Entrevista por Yon Raga Kender
Fotografías: Manuel Alférez 
(Concierto en Bar Forum el 05.03.2016) 

A.N.I.M.A.L.

Abril será el mes “A.N.I.M.A.L”, desde tierras de la Plata nos visita éste grupo que, en 2006, decidió colgar los instrumentos y desvanecerse en la niebla de la vida. De un día a día en el que sus seguidores y el Metal, los han tenido presentes hasta que, de nuevo, quizá gracias a la brisa de unas baquetas manejadas con mucho brío disipando la niebla provocó que, en el 2015, volvieran a subirse a un escenario. Así, adelantándose a su llegada, “La Hormigonera Rock” ha querido hacerles unas preguntas para ir haciendo boca antes de su llegada.

LHR - Pregunta obligada, en realidad, dos preguntas forzosas que ya habréis respondido pero que a vuestros seguidores de “La Hormigonera Rock” les gustaría volver a escuchar: 
¿Por qué la disolución del grupo en 2006? Y, claro, ¿A qué se debe el regreso en 2015?

A.N.I.M.A.L. - La disolución se debio a que atravesábamos un desgaste interno logico. No todos en ese momento sentiamos el mismo amor por ANIMAL y nos parecía mal seguir solo por el compromiso. No queriamos mentirle a la gente ni a nosotros mismos. El regreso se debe a que Marcelo Castro se comunico con nosotros para saludarnos por las fiestas el año pasado y fue el a quien se le ocurrio que nos juntáramos a conversar acerca del regreso. Hoy en dia estamos todos mas grandes, mas maduros, sabemos que errores no queremos volver a cometer ni que situaciones queremos volver a atravesar. Eso nos ayuda a vivir un nuevo comienzo y disfrutar todo el tiempo de todos los momentos que vivimso desde que nos reunimos otra vez.

LHR - ¿Qué diferencias hay entre aquel A.N.I.M.A.L. de 1992 con el de ahora, no sólo los años y el cambio musical?

A.N.I.M.A.L. - Obviamente la formación, que no es la misma. Hoy en ANIMAL están los que tienen ganas de estar acá. La diferencia es que somos otras personas. No somos los mismos. Creo que nadie es el mismo luego de 25 años. Nos sentimos mejor, nos divertimos mas, estamos mas felices. Tambien el audio es otro, la furia, la adrenalina y todo lo que dejamos en el escenario esta renovado dado este regreso.

LHR - ”Combativo”, vuestro último álbum, evidenció el estado anímico en aquel momento ¿En qué estado os encontráis ahora y, si es posible, que nombre dará a vuestro próximo trabajo? 

A.N.I.M.A.L. - Nuestro proximo trabajao no tiene nombre aun. Sera algo que toda la vidad nos reclamo nuestro publico. Un disco en Vivo. Sera un CD + DVD que ademas tendra unas 4 canciones originales nuevas de estudio. Todos los discos representan el estado animicao de la banda. Este será explosivo. Estara repleto de energia y emocion que es lo que sentimos ahora. Mucho pero mucho power tambien, despues de casi diez años sin tocar juntos todo ese poder se acumulo en nuestro interior.

LHR - ¿Habrá insignes colaboradores como en el pasado?

A.N.I.M.A.L. - Creemos que no. Este disco marca nuestro regreso y creo que somos nostros tres quienes debemos estar en el disco al 100 %. Seguramente en los proximos albumes haya algun invitado como lo hemos hecho siempre. Pero en este disco que es en vivo creo que tenemos que estar nosotros mostrando todo nuestro poder en el escenario.

LHR - Y, al margen de la dificultad en la venta de álbumes ¿Tenéis pensado editar en vinilo?

A.N.I.M.A.L. - El vinilo es un soporte que nunca hemos trabajado con animal, ni en los comienzos ni en los ultimos momentos de nuestra carrera. No lo hemos pensado. No estaria mal poder editar algunas copias en ese formato. Sabemos que los melomanos y coleccionistas lo disfrutarían mucho asi que no esta descartado. Ya veremos.

LHR - Habéis significado y, vuestra vuelta, ha demostrado que significáis mucho en el panorama musical ¿Cuáles son vuestros objetivos, es decir, aun habiendo ya respondido en cierto modo, qué pretende A.N.I.M.A.L. con sus letras y su música?

A.N.I.M.A.L. - ANIMAL pretende transmitir lo mismo que siempre impulsó, la defensa de los pueblos indigenas que fueron arrasados por los conquistadores sangriento, la defensa de los mas debiles, de aquellas tribus urbanas que hoy siguen siendo discriminadas ya sea por la musica que escuchan, como por sus tataujaes o costumbre que esta fuera de lo “establecido”por el sistema. Nosotros siempre hemos tenido un mensaje positivo en el que impulsabamos a la gente a luchar por sus derechos mas alla de todo. Poniendo como horizonte la posibilidad del cambio. Si vos te propoines algo en la vida lo vas a conseguir mas tarde o mas temprano pero si seguis tu sueño siempre se va a hacer realidad. Asi nacio ANIMAL  y asi vive.

LHR - ¿Qué opináis del momento en que se encuentra el “Metal”, no sólo en Argentina, sino en el mundo entero?

A.N.I.M.A.L. - El Metal ha atravesado diferentes momentos desde que ANIMAL irrumpio en la escena, en algunos paises se ha puesto de moda, en otros ha dejado de estarlo pero siempre ha mentenido su vigencia e importancia. Sigue siendo un esejo para que las nuevas generaciones puedan refltrejarse. Es un genero respetado por todos sus integrante y en especial por todos aquellos que estan en otros generos.
En argentina ha comenzado un recambio con bandas nuevas que estan mas cerca del metal Core y esa clase de estilos nuevos. EN el mundo siguen brillando los mejores como maiden, megadeth y metallica pero tambien a habido un crecimiento y una renovacion importante con bandas como gojira, lamb of god, stonesour, atebreed y otras bandas.
EL metal siempre se ha encontrado saludable. Que sigan naciendo bandas de metal es un buen sintoma que demuestra que estamos mas allá de cualquier moda.

Y, así es, “A.N.I.M.A.L.” no entiende de modas, siguen siendo aquel grupo Metal que abandera la lucha discriminatoria frente a poderes visibles y opresores. En un ritmo enfermizo que hinchara el ánimo de todos éste próximo mes de abril en Santiago de Compostela, Bilbao, Madrid, Málaga, Valencia, Alicante, “Viña Rock” de Villarrobledo (Albacete) y, por supuesto, en Barcelona, el día 23 en la Sala Razzmatazz.

Angue Jazz

Angue Jazz es una banda de jazz tradicional americano que nace en formato trío con Rocío Angue Eson, Ignasi Morral y Ernesto Olvera pero que posteriormente cuenta con la colaboración del maestro Humberto Carrero que incorpora los sorprendentes y expresivos ritmos afrocubanos.

Todo un espectáculo que transporta en el tiempo reviviendo el sonido y las melodías de la décadas de los años veinte y treinta.

Nuestra colaboradora Rosa Maria Ortega López se pone en contacto con ellos...

LHR - ¿Como grupo de jazz & blues, os encontráis en medio de una esfera grata y elitista, o precisamente por elitista resulta más complicada?

Ernesto: Quizá se tiene una percepción algo elitista del jazz. Ahora no es está considerado como un género popular, pero casi hasta la mitad del siglo XX en Estados Unidos lo era. De hecho al jazz se le conocía como música “pop”. Quizá al espectador que no está acostumbrado sí que le cuesta algo más iniciarse, pero para un músico, tocar jazz es una gozada. Te da una libertad y posibilidad de romper esquemas que otros géneros no permite, y eso es lo que intentamos mostrar en el escenario.

LHR - ¿Como público, oyente y consumidor de vuestro sonido, hay que viajar mucho en el tiempo? ¿Hacia las raíces siempre del jazz y el blues? 

Rocío: Pues intentamos recrear el sonido de principios de S.XX -ragtime, early blues- tenemos gospel , swing, algo de bebop, "new orleans" pero evidentemente nuestras influencias musicales son determinantes en nuestra forma de interpretar: Ignasi es muy rockero, Ernesto bebe mucho del latin-jazz y el flamenco y en mi casa ,entre otras cosas, se escuchaba soul y funky.

LHR - Tenéis disco reciente. ¿Hacia dónde va la evolución desde vuestros inicios?

Ernesto: Tal y como ha dicho Rocío, nacimos con una idea y la mantenemos. Con el tiempo vamos evolucionando personal y colectivamente y eso se nota en nuestra forma de interpretar los temas, incluso algunos que están desde el primer repertorio, que los hemos arreglado muchas veces con ideas nuevas que nos van surgiendo.

LHR - Pasásteis de trío a cuarteto. ¿Qué incorpora el nuevo miembro del grupo?

Ignasi: La  incorporación de Humberto nos ha dado como banda una riqueza de sonido especial, nos acerca mucho más al público.

LHR - ¿Cómo surge la idea de añadir arte plástico en directo en algunas de vuestras actuaciones? 

Ignasi: Queremos transmitir y emocionar más, todo lo que se pueda. De esa voluntad surge la inquietud por mezclar en nuestra producción diferentes expresiones artísticas.  Además,  entiendo que  la creación y todas sus disciplinas beben de la misma fuente.

LHR - Venís de profesiones muy dispares. ¿Lo compagináis bien? ¿Es enriquecedor entre vosotros? 

Rocío: Claro que es enriquecedor; la profesión es una de las elecciones más importantes que hacemos en nuestra vida y al final tu bagaje vital, es lo que configura tu personalidad como artista o como músico. Creo que cuanto más variadas sean las ideas más creativo es el proceso de hacer música, aunque también más complicado ponerse de acuerdo jjjjj

LHR - ¿Creéis que se hace buen jazz y blues en España? ¿Qué falta y qué sobra?

Ignasi:La música ha crecido enormemente, tanto a nivel profesional como de público. La gente que asiste a los conciertos es cada vez más exigente, lo que está muy bien porque nos obliga como  músicos a superarnos constantemente. Falta que, al arte en general, no se le penalice con IVAS o con restricciones de libertad.  La cultura tiene que ser  motor de la sociedad.  Lo que sobra, lo prescindible, poco a poco,  muere solo. El arte bueno permanece, el malo acaba desapareciendo para bien de todos.

LHR - ¿Escenarios de pequeño o gran formato? Un lugar para tocar? 

Rocío: Me gusta la cercanía de los escenarios pequeños y la energía y la fuerza de los escenarios grandes. Tengo muy buen recuerdo de un concierto en las festas del roser (poble sec) en un escenario más o menos pequeño puesto en la calle  roser que es estrecha  y hace pendiente; estaba lleno de gente y de gente que disfrutaba con lo que estábamos haciendo, así que fue mágico.

LHR - ¿Se requiere un oído especial para escuchar jazz?

Rocío: No, pero sí hay que educar el oído para escuchar todo tipo de música, al final creo que es una cuestión de inquietud o curiosidad.

LHR - ¿Cabe la vanguardia en el sonido de raíz negro…o hasta cierto punto? ¿La fusión es buena? 

Rocío: Todos los sonidos evolucionan, eso es lo fascinante de la música.

Ernesto: No todo está inventado en la música, aún falta mucho por explorar en casi todos los géneros. Hay fusiones bien hechas y mal hechas, como todo en la vida!

LHR - ¿Una anécdota para contar? ¿Y otra para no contar (excepto al oído)?

Rocío: Tenemos desde ataques de risa en medio del concierto hasta despistes varios como darse la vuelta a mitad del camino a por parte del equipo de sonido...pero todo lo integramos en el show, la vida es teatro jjjj

LHR - ¿El mayor hándicap del momento para un músico? Y para un músico de jazz & blues? 

Ignasi: La salas de conciertos son escasas y hay pocas facilidades para los locales que programan. Cualquier música necesita lo mismo, su instrumento y su público, nada más.

LHR - Lleváis al escenario un género que muy pocos pueden defender tan brillantemente y por igual tanto vocal como instrumentalmente.  ¿Habéis contado siempre con la voz de Rocío? ¿Dedicáis un espacio en los directos, tal vez, a los solos instrumentales o a las piezas a capela de manera especial? 

Ernesto: Sí, el proyecto surgió a idea de Rocío, comenzamos a mirar repertorio y en poco tiempo decidimos contar con Ignasi. En nuestro repertorio tenemos algún tema instrumental y damos espacio para los solos instrumentales. A capela ningún tema , solamente uno en nuestro segundo disco, a 4 voces, todas grabadas por Rocío.

LHR - ¿Vuestra próxima parada? 

Rocío: Nuevo disco con más temas propios.

Entrevista realizada por Rosa Maria Ortega López para La Hormigonera Rock